Archivo de la categoría: Fotografía

“El rastro de la tormenta” (Dra. Dª Concha Casajús)

img_0110La segunda ponencia de las XX Jornadas de fotografía, edición y diseño estuvo a cargo de la Dra. Dª Concha Casajús, fotógrafa y profesora, y tuvo por título “El rastro de la tormenta”.
Comenzó su intervención recordando que el CEU desde hace décadas es pionero en estudios relacionados con fotografía, edición, diseño, radio y TV.
A continuación mostró tres diaporamas (selección de imágenes fijas acompañadas de música), el primero de los cuales refleja el desarrollo de la fotografía abstracta en las últimas décadas, a partir de su trabajo como freelance.
El segundo diaporama refleja la vida en África, una de sus grandes pasiones como fotógrafa. A partir de este trabajo, fundamentalmente en Etiopía, se realizaron numerosas exposiciones en ámbito nacional e internacional. Su vocación por la fotografía abstracta no se deja de lado en este nuevo trabajo sino que se une mostrando la niebla, la lluvia, la luz y las personas del continente negro. Su intención: mostrar la imagen más misteriosa, bella y veraz de África.
El título de la ponencia “El rastro de la tormenta”, tiene sentido a partir de su conocimiento de la situación de la mujer en el Congo. El tercer diaporama muestra a las mujeres que rompen el silencio y proyecta, en imágenes, la historia de las mujeres y niñas en este país africano. Su intención es mostrar una situación de violencia extrema pero sin violencia, por respeto a quienes son retratados. Al diaporama acompañan las palabras de las fotografiadas. “Mujeres que rompieron el silencio” es, además de el título de esta selección musicalizada de imágenes, el nombre de la exposición que se podrá ver en Madrid y Málaga entre otras ciudades españolas.
Algunos de sus trabajos pueden apreciarse en su web.

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Abierta la inscripción para las XIX Jornadas de Fotografía, edición y diseño

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António Pedro Santos nos habla del papel del fotógrafo en la cobertura de la crisis

António Pedro Santos, editor de Fotografía del diario Journal i, de Portugal, protagonizó la segunda conferencia de la tarde del jueves 22 en el congreso ÑH9 de la SND, celebrada en la Universidad CEU San Pablo. Con el título “El fotógrafo en tiempo de crisis”, Santos abordó todos los trabajos a los que, diariamente, los fotógrafos se enfrentan en el contexto actual de crisis económica generalizada mundialmente.

El fotógrafo portugués dio comienzo a su ponencia presentando ante los asistentes un conjunto de palabras que aparecen diariamente de manera casi imprescindible en todos los diarios y medios de comunicación. Recortes, austeridad, paro, déficit, FMI, manifestaciones, huelgas, euro, despidos o bancarrota son algunas de las realidades reiteradas constantemente en cada uno de los periódicos, de manera que el fotógrafo, ante esta realidad, ha de trabajar para abordar esta temática desde las más diversas perspectivas.

“Registrar la crisis en el periódico es un dilema que se presenta en el periódico todos los días” afirmó el conferenciante y con ello, António Pedro Santos abordó la gran dificultad que supone encontrar enfoques originales en un tema tan reiterativo como la crisis, presente en la prensa actual en todas las secciones y contextos, desde la economía hasta la sociedad. Con este objetivo y pretexto, el fotógrafo mostró a los asistentes muchos de los trabajos llevados a cabo de mano del periódico portugués Journal i.

La desmitificación de las figuras públicas protagonistas de las crisis, la realidad de las calles más allá de las cifras, las consecuencias sociales y estructurales de la misma y sobre todo, el enfoque centrado en las consecuencias personales de la crisis fueron así algunos de los puntos de vista utilizados por el diario portugués en las fotografías que cubren la crisis económica. Una ponencia interesante para conocer la perspectiva de los fotógrafos que han de cubrir constantemente una misma realidad.

Mariché Navío Navarro
@mariche_navio

Pascal Philippe nos acerca a la concepción de la imagen como recuerdo en las publicaciones periódicas

La primera ponencia de la tarde en el Congreso ÑH9 estuvo a cargo de Pascal Philippe, editor de Fotografía e Ilustración de la revista francesa Courrier Internacional. Philippe dedicó su conferencia a relatar su trayectoria profesional dentro de esta publicación y mostró la importancia que la fotografía, el dibujo o la ilustración poseen a la hora de crear el valor añadido de una revista de trascendencia internacional.

El editor comenzó la ponencia relatando ante los asistentes la historia de la publicación Courrier Internacional, para la que el dibujo se ha convertido en un signo de identidad de forma que, “dibujo y ‘Courrier’ se han convertido en sinónimos entre la sociedad francesa”. Esta publicación, como indicó Philippe, ha relegado la fotografía a un segundo lugar, de manera que si bien se integra progresivamente, nunca se impone. Con esta presentación, el ponente introdujo a los asistentes en la problemática actual de la masificación de imágenes en todos los ámbitos de la vida social.

Para Philippe, las ilustraciones, que habían sido un género muy presente en los siglos XVIII y XIX, han cambiado su naturaleza debido a la masiva presencia de la imagen en todos los lugares que rodean a la persona. “Es como si ya no hubiera un espacio de la mirada en la que no haya imágenes y me pregunto ¿cuál es la causa de la invasión gigantesta de la imagen?”. Para contestar a esta pregunta, el conferenciante ofreció dos posibles respuestas. La primera explicación radicaría en la revolución que suponen las fotos digitales que, gracias a la consolidación de las redes de distribución, ha posibilitado que en la actualidad la captura y la difusión de una imagen puedan realizarse de manera simultánea. La segunda respuesta estaría relacionada, en cambio, con la facultad de reproducir estas fotografías, lo que ha hecho que entremos en un momento que él define como “lo ilimitado reproductible”.

Pascal Philippe continuó su exposición con la realización de una muestra de diferentes portadas de la revista Courrier Internacional, donde todas las fotografías o dibujos mostrados eran para él “recuerdos de lo ausente” porque para Philippe, la fotografía no es otra cosa que un recuerdo y es precisamente esto lo que da fuerza y valor a la imagen. Así, portadas e ilustraciones interiores de Barack Obama, la caída de las Torres Gemelas o Arafat entre otros muchos, ejemplificaron un interesante ponencia donde la combinación entre imagen y texto, entre forma, contenido y significación fueron los protagonistas.

Las caricaturas también tuvieron su espacio en esta conferencia, que definidas principalmente por Philippe como una deformación de la realidad, suponen para él una simplificación, síntesis y abreviación de lo existente. De esta manera, pocos trazos sirven para mostrar la totalidad del concepto al que representan, haciendo así que las relaciones metonímicas o las metáforas permitan al receptor interpretar el dibujo.

Con ello, Pascal Philippe concluyó mostrando que Courrier Internacional, como otras publicaciones, no se basan en publicar imágenes simples, sino que las relaciones de las mismas con el significado y la psicología del receptor las hagan propicias para fomentar su misión como recuerdo.

Mariché Navío Navarro
@mariche_navio

Enric Jardí nos hace “pensar con imágenes”

La mañana del jueves tuvo como tercer ponente del Congreso ÑH9 a Enric Jardí, autor del blog Weekly Garden Thoughts, en España. Su ponencia “Pensar con imágenes” se centró en la muestra de muy dispares ejemplos sobre las ilustraciones creadas para diversos medios de comunicación. Ilustraciones sobre la problemática de la sanidad pública en América, el machismo y violencia de género o las reacciones ante Plan de Bolonia entre muchas otras, dejaron entrever la opinión y teorías del ponente sobre la creación de ilustraciones.

A través de sus imágenes, el autor nos demostró cómo “lo bueno del lenguaje visual es que consigues explicar cosas que si se explican verbalmente no tienen ninguna gracia”. Igualmente, nos hizo conscientes de la imposibilidad de expresar con imágenes algunos conceptos o palabras, lo que supone, para él, el gran reto del ilustrador. De esta manera, nos advirtió también  sobre la colocación de texto en cualquiera de sus creaciones. Para Jardí, las ilustraciones no deberían llevar texto ya que es un elemento que compite con los titulares del cuerpo de la pieza periodística y no es esa la función de la imagen.

“Las ilustraciones han de apoyar el texto y no mostrar la opinión del ilustrador”, comentó Jardí. Con esta afirmación, Enric Jardí se refirió a la tendencia, muy extendida entre los ilustradores, de manifestar su opinión en sus creaciones. Para el ponente, las ilustraciones han de ser subsidiarias del contenido, apoyos a su tesis, por lo que un buen profesional ha de huir siempre de la contradicción entre texto e imagen que lo apoya.

Amante de la simpleza, el autor nos habló de su tendencia de crear grandes mensajes con pocos elementos, de manera que sea el propio lector el que vea, a través de la ilustración, el contenido que quiere. Y bien quedó demostrado esto a través de todas las ilustraciones con las que hizo reír, disfrutar y, sobre todo, pensar, a los asistentes.

Enric Jardí, además, nos regaló diferentes consejos sobre las pautas básicas que ha de tener toda ilustración. Os dejo aquí un compendio de las ideas básicas:

  • La ilustración ha de hacer la página más bonita.
  • La imagen ha de vaciar la página.
  • Ha de dar pistas sobre el texto.
  • Tiene que ayudar al lector a que se “meta” en el artículo, ha de llamar la atención.
  • No debe manifestar una opinión contraria al texto.
  • No han de contener texto y han de ser, preferiblemente, tendentes a la simpleza.

Mariché Navío Navarro
@mariche_navio

Student Focus Photography Competition: concurso universitario con carácter global

El próximo 30 de noviembre de 2012 expira el plazo de presentación para poder participar en el Student Focus Photography Competition, un concurso de fotografía abierto a estudiantes universitarios en el marco de un ambicioso programa educativo global creado por la World Photography Organisation (WPO).

Student Focus Photography Competition

Student Focus supone una programa de educación internacional creado por la WPO que permite la existencia de una plataforma, real y virtual, que hace posible que la próxima generación de fotógrafos pueda formarse y compartir experiencias en las que, además, participan distintas instituciones y universidades vinculadas a la comunicación, desde un punto de vista general, y a la imagen, en particular. Diferentes jornadas, seminarios, exposiciones… y, por supuesto, concursos como el mencionado Student Focus Photography Competition dan forma a este proyecto que, actualmente, conforman 200 universidades y distintos centros de formación.

Con motivo de este concepto concreto del Student Focus, una especie de campus universitario de carácter global, los estudiantes universitarios de entre 18 y 28 años que deseen participar deberán hacerlo a través de sus universidades, que previamente habrán formalizado la inscripción. De todas las fotografías presentadas, 10 finalistas participarán en World Photography Festival, que se celebrará en Londres, y la universidad ganadora participará en la ceremonia de los premios Sony World Photography.

WPO website.

La Facultad de Humanidades y Ciencias de la Comunicación de la USP-CEU participa en este conocido programa educativo en el ámbito de la fotografía. Cualquier alumno de la universidad, a través de la sección de Gráfica Informativa y en concreto de los profesores de fotografía (David Monreal o Emiliano Blasco) podrá presentar su obra fotográfica para concursar en el Student Focus Photography Competition.

Miguel Ángel de Santiago

Cara y cruz de la fotografía analógica

Parece que la fotografía analógica avanza, inexorablemente, hacia su total desaparición. La última estocada a este tipo de fotografía la ha sufrido uno de los nombres más míticos en esta industria, Kodak. Hace poco, la compañía que revolucionó la fotografía en el a finales del XIX, anunciaba que entraba en concurso de acreedores –algo que junto a las primas de riesgo está, por desgracia, muy de moda últimamente-, dejando al mundo de la fotografía analógica en vilo. Pendiente de lo que está por venir.

Cuando la Eastman Kodak Company (Kodak a secas para el común de los mortales) introdujo el carrete de papel en 1888, cambió el concepto de fotografía al permitir la progresiva desaparición de las placas fotográficas. Desde el principio, se centró en la globalización de la fotografía, permitiendo la aparición del “movimiento amateur” sobre todo con su cámara más ilustre, la Kodak Brownie. Esta cámara facilitó la democratización de la práctica fotográfica. Pero, cómo no si solo costaba 1 dólar.

Después de una historia tan fructífera, llega el momento en el que toda empresa tiene que dar un paso decisivo: renovarse o morir. Y aunque se dice que Kodak está en las últimas, yo sigo confiando en la capacidad de renovación que en tiempos de crisis tienen las empresas. Y si no, que se lo digan a Polaroid. La compañía ha conseguido adaptarse a los tiempos y hacerse un hueco entre lo digital, ampliando su presencia poco a poco. Lo curioso ha sido cómo lo ha hecho. Renovando su producto de siempre y relanzando la fotografía instantánea.

Parece que hoy en día, cuando cada uno de nosotros tiene una cámara de fotos en nuestro móvil, la única forma con la que el medio analógico se puede mantener a flote es ofreciendo los mismos niveles de inmediatez. Iniciativas como Impossible Project, que siguen fabricando película para las cámaras Polaroid, o la del fotógrafo Tim Mantoani mantienen a la fotografía analógica instantánea de actualidad. En su libro Behind Photographs reune unos 150 retratos de fotógrafos famosos mientras posan con su fotografía más famosa o preferida. Esta iniciativa tiene doble interés, en primer lugar fomenta la curiosidad por ver a la persona detrás de la cámara –siendo una especie de quién es quién fotográfico- y, por otro lado,  resulta todavía más atractivo cuando se sabe que la cámara utilizada es una Polaroid Land de gran formato (20×24 pulgadas).

Estamos viviendo un momento crítico para la fotografía analógica, la tradicional, la de toda la vida y en este tiempo difícil hay que dar un paso valiente, que a veces pasa por cambiar el modelo. Esta crisis global, puede ser un momento para la innovación a través de las ideas. Porque innovar, como dice el DRAE, supone “mudar o alterar algo, introduciendo novedades” e iniciativas como las de Mantoani, a veces son la mejor de las innovaciones.

Animo a cualquiera a coger su vieja cámara analógica –instantánea o no- y echarse a la calle para recuperar ese sentimiento y emoción que solo ofrece la fotografía tradicional. Ese gusto por el “qué saldrá”. Yo, voy a hacer lo propio.

Emiliano Blasco Doñamayor

IN VOGUE. La historia en imágenes de la revista de moda más famosa del mundo

Click en la imagen para agrandarEl próximo 16 de abril, Norberto Angeletti y Alberto Oliva, presentarán en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Comunicación, de la Universidad CEU San Pablo, la edición en castellano del primer libro sobre la historia de la revista Vogue y sus contribuciones editoriales, visuales y artísticas al mundo de la cultura y del periodismo de moda. Será a las 12,00 h. en el Centro Audiovisual (C/Julián Romea, 2. 28003 Madrid).

Este libro, ricamente ilustrado con cientos de portadas y fotografías de archivo de ediciones pasadas de Vogue, es un recorrido por los más de cien años de historia de la revista. Incluye las colaboraciones de algunos de los artistas, diseñadores de portadas y fotógrafos más admirados del s. XX (entre ellos Irving Penn, Richard Avedon, Annie Leibovitz y Herb Ritts) y cuenta con un ensayo de Susan Sontag y los comentarios de Anna Wintour, Grace Mirabella, Kohle Yohannan y S.I. Newhouse Jr.

El libro detalla minuciosamente cómo se hacen hoy las producciones de moda, cómo se eligen las modelos y celebridades, las claves del diseño, sus textos y cómo trabajan los fotógrafos para conseguir sus excepcionales imágenes.

Norberto Angeletti y Alberto Oliva se dedican al periodismo desde hace más de treinta y cinco años. Ambos han sido oradores de honor en la Asociación de Editoriales de Revistas de América (MPA) y en otros foros internacionales de periodismo, y han impartido cursos sobre magacines en la Universidad de Stanford y en la Universidad de Salamanca, en España. También son coautores del libro titulado “Revistas que hacen e hicieron historia”, Florida University Press, 2004.

A continuación mostramos algunas de las críticas que se han hecho sobre esta obra:

“[…] lectura indispensable. Esta obra sustancial y lujosa, escrita con agudeza, es un trabajo de investigación meticuloso y magníficamente ilustrado: In Vogue constituye una crónica de cómo Vogue se convirtió en la revista de moda más influyente del mundo”

The New York Times

 “[…] magníficamente diseñado, con una bonita encuadernación y abundantemente ilustrado con algunas de las mejores fotografías del pasado siglo […] In Vogue es una seria y minuciosa crónica de los 115 años de la historia de la revista Vogue”

The Atlantic Monthly

“Desde las portadas ilustradas del primer número de Vogue en 1892 hasta la llegada de la fotografía en color de los años 30 y el actual mundo posmoderno, esta voluminosa obra es tan elegante y fascinante como la revista. Un ensayo de Susan Sontag sobre las implicaciones sociales de la fotografía de moda enaltece la labor de Irving Penn, Helmut Newton, Annie Leibowitz y otros profesionales de la imagen, conjuntamente con el de las modelos, atletas y poderosas mujeres que han adornado las páginas de la revista. Anécdotas ocurridas detrás de las cámaras y tomas que han (y no han) salido a la luz ofrecen una mirada íntima de cómo la revista crea su imagen pública.”

Publishers Weekly

“La intrigante historia de la revista Vogue se desarrolla aquí en una retrospectiva elegante y lujosa, que incluye entrevistas, fotografías, portadas y extractos de los mejores artículos y reportajes que han aparecido en las páginas de la emblemática revista.”

Barnes & Noble

“Subrayando la inspiración, sensibilidad artística, y aguda habilidad editorial que ocupa cada doble página, puedes ser hiperbólico en su insistencia de la importancia de la moda. Pero hay titulares que se cosen en las pasarelas, y la revista de moda ha sido un barómetro de la cultura a lo largo de su historia. Un accesorio imprescindible para la biblioteca de los fans de Vogue y para todos los aficionados a la moda”

The Critics

El libro fue publicado por primera vez, en inglés, en Estados Unidos en 2006 por Rizzoli International Publications. Y su ficha técnica es la siguiente:

440 páginas
22 x 28 cm
Tapa dura
978-84-9899-899-3
Editorial: Sol90 media
Barcelona, diciembre de 2011
 
DATOS DE CONTACTO
Laura Villas / lvillas@sol90.com / 93 445 87 17
Web: Sol90media.com

Mario Sierra: “En la moda se vende una ilusión, no realidad”

Mario Sierra, uno de los fotógrafos más reconocidos en nuestro país que trabaja para la mayoría de las revistas del panorama nacional, fue uno de los invitados a las XV Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño. La gráfica de la Moda, organizadas el pasado 22 y 23 de marzo.

Con el Aula Magna de la Universidad CEU San Pablo repleta de asistentes, Sierra explicó a los alumnos y profesionales que allí estaban cuáles son las claves de su trabajo y cómo es el día a día de un fotógrafo de moda y publicidad y, aunque reconoció que la fotografía de moda es ante todo un negocio, señaló que disfruta vendiendo ilusiones en cada una de sus imágenes y que ha trabajado mucho para conseguir llegar al lugar que ocupa.

El ponente también destacó la importantísima labor que desarrolla el equipo que acompaña a un fotógrafo: desde los estilistas que tienen las ideas, hasta la realización de la foto, hay que tener en cuenta la colaboración de todos los que intervienen para que cada proyecto se pueda llevar a cabo.

Otro de los temas que abordó fue el tratamiento de las imágenes antes de ser publicadas: “Photoshop es una parte más, igual de importante”, afirmó. Antes de existir la fotografía digital, cuando se utilizaban cámaras analógicas, también se trataban las imágenes con otros métodos y, en este sentido, destacó la aparición de la profesión del retocador profesional que cada vez se extiende más en el sector de la moda.

Una conferencia llena de anécdotas en las que Mario Sierra explicó a los presentes cómo es trabajar con los modelos, con personajes famosos y cómo superar imprevistos en algunas sesiones y que, en definitiva, consiguió que los asistentes se sintiesen cercanos y entendiesen mejor en qué consiste la labor de un fotógrafo de moda.

Carmen Cordero Amores

La quinta conferencia de las XV Jornadas de mano del fotógrafo Mario Sierra

Quinta conferencia de las XV Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño: Viernes 23 de marzo, 10.30 h: “La fotografía de moda: el defecto es el efecto”

Mario Sierra nos presenta esta penúltima conferencia de las Jornadas. Mario Sierra es actualmente uno de los fotógrafos de moda y publicidad más solicitados en el panorama español. Destaca especialmente su trabajo para la revista Elle, con la que ha realizado numerosas portadas. Además desarrolla su trabajo con otras publicaciones como: Nox, DT, El Semanal, Men’s Health, Man, Yodona, ¡Hola!, … entre otras; y ha colaborado en campañas para grandes cuentas de publicidad entre las que se encuentran: Coca-Cola, Carrera y Carrera, Larios, Stradivarius, Pronovias, Kailis, Lina Bocardi, Red Point, Bora-Bora, Soltour, Bobbie Brown, Berkshire , Tous, Kadus, Tweety, Tintoretto, Amitie, Artego, Paco Herrero, Salvador Sapena, Tribune, L’Oréal, Max Factor, Alta costura Paris, Lupo, Breil, Salsa Jeans, etc.
 El estilo de Mario seduce al cliente por su absoluta dedicación al trabajo que tiene entre manos, la eficacia a la hora de resolver y su impecable trato personal, correcto, elegante, fresco y divertido. Y especialmente por sus imágenes limpias, llenas de luz y de vida. www.mariosierra.net